Ana Karoline Nascimento

Estudante de Comunicação Social na Universidade Federal de Pernambuco. 24 anos. Natural de Garanhuns.

Petals For Armor

Hayley Williams explora sua feminilidade, solidão e força em álbum solo, trazendo o poder de ser autossuficiente sendo suave e aberta


Petals For Armor (2020). Foto: Lindsey Byrnes

A vocalista da banda de pop-punk norte-americana Paramore, Hayley Williams, lançou seu projeto solo intitulado “Petals For Armor” (Pétalas Como Armadura) pela Atlantic Records em 8 de maio de 2020. O nome foi inspirado por visões de flores que Hayley teve durante uma experiência em sua sessão de terapia e pela sua filosofia de permanecer vulnerável depois de ser diagnosticada com depressão. A obra é uma sangria, que exala anos de raiva, repugnância e fúria, bem como a ocasional liberdade de fuga, de culpa. Williams se referiu a esse processo de criação como semelhante a tirar veneno de suas veias e deixá-lo sob a luz. É uma metáfora adequada em conjunto com a obra de arte, onde os três quadrados pretos em suas mãos – que cobrem as tatuagens anteriores, iniciais do nome de seu ex-marido – parecem sangrar para cima em seu rosto, como um vírus curativo que cobre as escamas de batalha.  

A jornada para a vulnerabilidade que floresce em seu álbum de estreia tem sido tumultuada: uma vida familiar fraturada e a discordância com seus colegas de banda; o divórcio com seu namorado de longa década, Chad Gilbert do New Found Glory; e sua saúde mental e física em queda livre. Muito disso aconteceu enquanto estava vivendo uma vida em turbilhão na estrada e em estúdios de gravação, aos olhos do público, e da internet.

Após o After Laughter (2017), último álbum do Paramore gravado em estúdio, e uma cansativa imprensa e turnê, Hayley finalmente voltou debilitada (e potencialmente assombrada) para a casa de Nashville em que vive, em que se viu sozinha pela primeira vez. Lá, começou a terapia. Ela tinha a intenção de dar um tempo da música, mas sua terapeuta encorajou-a para escrever sobre seus traumas mais recentes.

Uma sessão particular de terapia craniossacral deu-lhe clareza: na cama, ela imaginou seu corpo grotescamente brotando flores. Quando abriu seus olhos, a massagista colocou pétalas sobre ela. É uma metáfora para um crescimento doloroso que deveria suportar, a motivação central do Petals for Armor.

Depois do divórcio de seus pais, e do subsequente término instável de sua mãe com seu padrasto, Williams foi arrancada do Mississippi para o estado do Tennessee, em Franklin – perto demais do paraíso da música country, a conhecida Nashville. Foi lá que a Williams de 14 anos assinou com uma gravadora. No entanto, ela e sua mãe tiveram que continuar a se apoiar amigos e doações para a igreja, e moraram em quartos de hotéis e em trailers. Mais tarde, Williams escolheu fazer homeschooling (educação em casa) depois de ataques de bullying por conta de seu sotaque de sulista. Foi em um programa de tutoria pessoal que ela conheceu Zac Farro e, depois, Josh Farro e Taylor York, que se tornaram seus parceiros de banda no Paramore. Embora os executivos da gravadora tenham pretendido vender Williams como uma artista solo, ela exigiu o seu desejo de estar em uma banda de pop-punk. Atualmente, a banda está em hiato enquanto seus membros procuram suas próprias aventuras – Tanto York quanto Farro trabalharam com Williams no Petals for Armor.

Com vocais graves, suaves e sem muita estridência, os arranjos instrumentais são ótimos e combinam super com as letras. Entretanto, não é um álbum fácil de digerir. O ouvinte precisa se interessar em entender o conceito por trás. Não é nada parecido com o Paramore! 

Hayley trava uma guerra emocional contra si mesma e fala sobre os problemas com a ansiedade, depressão e sua baixa auto-estima. Descreve em suas faixas o sentimento de estar só e sentir-se confortável com a própria presença, alegando estar livre. Em “Crepin” canta sobre uma espécie de “vampiro” que suga sua energia, lhe trazendo lembranças ruins. Podemos entender como uma metáfora sobre uma relação abusiva, já que a cantora fala que “é algo que começa de forma simples e inocente e depois você já não sabe como sair dessa situação.”

Dentro de duas músicas, o campo de batalha emocional é claro. “Agora que finalmente quero viver, aqueles que amo estão morrendo”, ela canta em “Leave it Alone”, passando a chorar a recente perda de memória de sua avó – um momento poderoso na formação de um álbum intrinsecamente preocupado com a memória e o trauma. Enquanto isso, qualquer pessoa na posição de olhar para trás em uma relação tóxica ou danificada se conectará imediatamente com a furiosa catarse de “Cinnamon” e “Dead Horse”, os bangers art-pop que tomam o caminho mais elaborado para os ganchos de raspar o céu de Williams como se estivesse saboreando cada momento antes de uma vitória emocional. “Eu não estou sozinha, estou livre” é um desses momentos de pulsação, de aperto de mão, o primeiro a oferecer um lampejo de esperança. Na reta final do álbum, “Pure Love” revisita um território semelhante por meio dos grooves do baixo, chamando explicitamente de volta a “Cinnamon” para demonstrar até onde chegamos, após lançar um lugar de honestidade emocional e algo próximo da exuberância.

Hayley Williams. Foto: Lindsey Byrnes

É o auge da maturidade de Hayley como artista. Inegavelmente por conta da musicalidade. Ela se apoia numa sonoridade mais pop que, ainda assim, deve muito da harmonia e das melodias características do gênero que a consagrou, o pop-punk que, misturado a música emo, torna-se uma espécie de emocore, gênero que fez muito sucesso nos anos 2000, principalmente por conta da MTV. No entanto, o álbum se mostra também muito maduro: mostra uma realidade de dramas e conflitos da vida adulta. 

Artistas anteriores já traziam em seus discos a inquietação de não se sentir pertencente. David Bowie, um dos pioneiros, assim o fez em “Alladin Sane” (1973), em que abusou do lirismo que sucumbe aos excessos do rock, com exageros lisérgicos, abusos constantes, e versos existencialistas, apaixonados, intimistas e loucos.

Assim como Bowie em sua época, Hayley dá vazão a sua arte para tratar de problemas pessoais regados a muito rock and roll, fazendo com que olhemos com outros olhos o que está acontecendo no aqui e agora. 

E isso é o que acontece quando o emo cresce, quando há a necessidade de gritar. O adolescente percebe que pode gritar, se expressar, ser ele mesmo e poder declarar suas urgências, seus anseios e seus problemas ao mundo. Na maioria das vezes estão relacionadas a sentimentos e, principalmente, relações amorosas.

Não se encaixar numa sociedade, ser rejeitado, sofrer bullying, ter problemas familiares, e não conseguir lidar com os próprios sentimentos, como se eles não coubessem no nosso próprio corpo, são outras questões abordadas no trabalho.

Hayley percebe que às vezes não é apenas o poder de gritar, mas sim precisar gritar. É uma urgência pela resolução de problemas, que agora são muito mais sérios, muito mais existenciais e que dizem muito mais sobre a integridade psicológica e a saúde mental. 

Sua obra faz mais alusão a um fluxo de sentido de vida, do que simplesmente um relacionamento, ou algo que te chateou e não é necessariamente tão grande quanto parece ser na nossa adolescência. Quando começamos a entender os nossos próprios monstros, tanto aqueles que temos que tolerar e simplesmente não dá para matar, como aqueles que criamos na nossa cabeça desde muito cedo, e precisamos de vez desfazer esse nó, como aqueles que surgem do nada, de onde nós menos esperamos. A vida adulta é isso. 

Petals for Armor frequentemente oscila entre estados emocionais como este, alternadamente de luto e retraído ou bombástico e inspirador. Felizmente, o álbum é dividido em fases em torno deste processo de cura. Este lançamento foi concebido para, nas palavras da artista, “incluir pessoas na jornada da mesma forma que eu a experimentei” – assim Petals for Armor nos leva desde um começo atolado em raiva e depressão, auto-aceitação e tributos comoventes aos amigos na seção do meio, até uma clareza agridoce na final. O que poderia ser uma emoção esmagadora de 55 minutos em um, se torna uma transformação completa e descarnada – a doçura de “My Friend”, sexta faixa do álbum, fornece a base para as canções de afirmação de vida dos anos 80, por exemplo. E enquanto “Roses/Lotus/Violet/Iris” tem que superar um coro de leitura de água que as harmonias do grupo Boygenius não conseguem manter, o resto da canção mais do que justifica sua posição de peça central. Numa espécie de continuidade com a abertura do Petals for Armor “Simmer”, ambas as músicas removem camadas de produção e proteções emocionais para segundos versos brutalmente crus. Na música anterior, ainda analisando sua raiva e cumprindo sua declaração inicial de que “a raiva é uma coisa tranquila”, Williams gentilmente cantarola “se meu filho precisasse de proteção/ De um fodido como aquele homem/ Iria mais cedo estripar ele”. Na metade do álbum, ela olha para trás no mesmo período de tempo com alguma remoção e um suave reconhecimento de que uma mudança interna ocorreu desde então: “Eu mesma era uma mulher murcha, sonolenta em um quarto escuro/ Esqueci minhas raízes, agora me veja florescer”. Esta trilogia de canções se encerra apropriadamente com “Watch Me While I Bloom”, uma canção efervescente de triunfo que, no entanto, reconhece a escuridão do álbum anterior: “Estou vivo apesar de mim, vejam-me enquanto floresço”.

Estas três músicas, além de sua qualidade pura, funcionam como o barômetro emocional, informando o headspace das músicas ao seu redor e puxando o ouvinte disposto para mais longe. Quando este “arco” termina, a artista se vê livre para ser mais honesta. Destaco dois melhores momentos do álbum: o primeiro não requer nada além de um piano deslumbrantemente micro – você pode ouvir as impressões que as teclas fazem quando os dedos as pressionam – e uma intimidade de partir o coração moldando linhas como “Passei o fim de semana em casa novamente, desenhando círculos no chão”. O segundo contempla o encerramento de “Why We Ever” lembra os momentos mais delicados da carreira de Copeland, como “Strange and Unprepared” ou “Ordinary”, e a seção de ritmos entra apenas para acompanhar a virada de todo o álbum em direção ao seu belo final amoroso – “Eu só quero falar sobre isso, me desculpe por surtar” – como se a própria música fosse uma flor desabrochando, assim como o crescimento emocional da cantora. 

O segundo momento é quando “Crystal Clear” opta por um ambiente nebuloso em que aparecem memórias fragmentadas. Você pode apreciar a linda canção sem saber por que ela é exatamente bonita, embora seja mais um exemplo de como Petals for Armor é um lançamento surpreendentemente generoso, um lançamento que rende cada vez mais recompensas quanto mais você investigar seus detalhes mais minuciosos. É um álbum construído em torno do doloroso processo de desenterrar memórias e deixá-las ver a luz, o precursor necessário para uma cura real e genuína. O álbum termina com uma amostra do avô de Hayley cantando uma música chamada “Friends and Lovers”, que ele escreveu para sua esposa, entrelaçada com a própria voz de Hayley prometendo não “ceder ao medo”. Isso é de tirar o fôlego, e a mensagem é clara: cabe a nós escolher o amor e o comprometimento das pessoas de quem viemos por causa do trauma e dos danos que inevitavelmente herdamos delas, se é isso que decidimos fazer.

Certamente parece que Williams criou seu próprio santuário, liberto do peso do que outras pessoas esperavam dela. Não se trata de tentar se encaixar nesse papel de quem achamos que devemos ser. Há algo para cuidar. 

E, como um todo, este novo projeto tem muito a ver com Williams batendo num tipo de feminilidade crua e ameaçadora – onde a raiva não é apenas válida, mas necessária. As pessoas não gostam muito de mulheres com raiva, mas as mulheres zangadas trouxeram muitas mudanças importantes para a sociedade. Embora julgada tão rapidamente, a raiva das mulheres têm sido um catalisador para coisas bonitas, e não precisa ser retratada como monstruosa. 

Por toda sua ansiedade sobre o que as pessoas poderiam esperar dela, Hayley Williams ignorou suas preocupações iniciais sobre seu histórico solo. Quando ela estava escrevendo seu álbum, ela sentiu que estava no banco do passageiro enquanto outra força tomava o volante; as músicas continuavam a cair por acidente. Instintivamente, ela sabia que estas não eram músicas do Paramore. Estava na hora de atacar sozinha.

Normalmente, Hayley Williams estaria se preparando para sair em turnê por aí agora. Ao invés disso, todas as datas ao vivo foram adiadas e o lançamento do projeto tomou um caminho tortuoso. Adaptando-se à vida de bloqueio, Williams vem lançando músicas individuais, pouco a pouco. Por sua vez, ironicamente, as mídias sociais a têm mantido sã.

Abraçar a vulnerabilidade como uma fonte de força, celebrar a suavidade, tratar a si mesmo e a outras pessoas com bondade – estas são apenas algumas das cordas que podem nos guiar através do breu.

Petals For Armor é incrível. Hayley Williams conseguiu, em seu voo solo, um som totalmente original e tranquilizador. Suas músicas falam com os ouvintes, que recebem suas mensagens e as espalham.

Estou me guardando para quando o carnaval chegar: um filme sobre as transformações do mundo do trabalho


Marcelo Gomes, diretor de filmes  como “Cinemas, aspirinas e urubus” (2005) e “Era Uma Vez Eu, Veronica” (2012). Além de ganhar prêmios no Festival de Brasília e Gramado, recebeu Menção Honrosa na seção Horizontes Latinos do Festival de San Sebastián. 

Em seu mais recente trabalho, o documentário “Estou me guardando para quando o carnaval chegar” (2019), Gomes mostra o cotidiano da população da cidade de Toritama, conhecida como a capital do jeans. O filme tem como foco principal o dia a dia de pessoas que trabalham assiduamente na fabricação de peças de roupas para serem vendidas nas feiras da cidade, e exportadas para todo o país. 

Segundo o diretor, que nasceu em Recife mas eventualmente ia à Toritama durante sua infância nos anos 1980, ele sempre teve o desejo de filmar a região e durante uma de suas passagens, cruzou com outdoors com modelos vestindo jeans. O motorista que acompanhava Marcelo contou que a população só para no carnaval, causando nele uma especulação interna acerca de coisas que ele não conhecia. Surge, a partir disso o interesse em fazer o documentário, um filme que o fizesse, de um jeito ou de outro, retornar para aquele lugar que ele conheceu na infância.

A cidade era tranquila e silenciosa,  anos antes do barulho de máquinas de costura de hoje.

Uma cidade de aproximadamente 40 mil habitantes, produz cerca de 20 milhões de peças de jeans por ano, um quinto da produção nacional. É neste cenário que o diretor se atenta e enxerga um novo modelo de produção, uma vez que, as pessoas que moram em Toritama trabalham 14 horas por dia em oficinas construídas em suas próprias casas, de maneira totalmente independente sendo, em alguma instância seus próprios patrões e que vêem o trabalho como aquilo que é fundamental para satisfazer suas necessidades. Carteira assinada não é uma prioridade, tampouco direitos trabalhistas, tais como: férias, décimo terceiro, seguro desemprego, mas sim produzir mais e mais peças. Quem faz pausa na produção não ganha, uma vez que se planejam o ano inteiro para quando o carnaval chegar, época em que a cidade fica vazia, pois os que trabalharam durante todo o ano vão à praia. Algumas pessoas chegam a vender seus bens materiais, como geladeiras e celulares. É, em suma, uma produção que questiona a nossa relação atual com o trabalho e o que fazemos com o nosso tempo. 

A produção frenética de calças jeans movimenta a economia de toda a cidade, gerações de famílias inteiras se dedicam ao trabalho sem parar, com pouquíssimas horas de descanso. 

O filme reflete muito bem as transformações da economia e da sociedade brasileiras e sobre o ser humano que está por trás daquela máquina, como ele encara a vida, como ele lida com o tempo, quais são os seus sonhos. O capitalismo nos coloca dentro de uma lógica específica: “Consuma, consuma, mas para isso, trabalhe, trabalhe, trabalhe!”. Onde fica a contemplação, o momento para você mesmo, onde fica a transgressão sobre a vida? Se você não tem esse momento para ficar consigo mesmo, você nem matura o sentimento da vida. A vida passa sem que você possa vivê-la.

A passagem da produção artesanal para a produção em série não é mais de acordo com as condições físicas e psicológicas de seus trabalhadores, mas sim uma forma de produção que visa o lucro. Há uma espécie de alienação, conceito marxista que de acordo com Karl Marx em Manuscritos Econômico-Filosóficos (1844), significa: “processo de exteriorização de uma essência humana e do não-reconhecimento desta atividade enquanto tal”.

Gomes faz um paralelo com o filme Tempos Modernos (1936), em que Charles Chaplin vivia o personagem Carlitos, em que era trabalhador em uma grande indústria, fazia em seu trabalho sempre a mesma coisa, diferenciando dos dias de hoje em que o mercado de trabalho quer profissionais polivalentes, mesmo realizando sempre a mesma atividade, o mercado exige que esse profissional conheça o produto final e outras diversas atividades dentro da indústria. Não só Carlitos, como muitos outros operários viviam a exploração dentro das fábricas devido à busca do lucro pelos proprietários, fazendo com que eles fizessem suas atividades muito mais rápidas para obter um produto final em menos tempo, fazendo seu trabalho de acordo com a máquina.

Mesmo sendo um tema pouco explorado no cinema, Gomes o fez com maestria. Um filme que fala muito sobre o Brasil e ao mesmo tempo toca em questões universais não foi merecedor de todo o hype de outros filmes contemporâneos a ele.

Ainda assim, fez parte da seleção oficial da Mostra Panorama do Festival de Berlim e recebeu Menção Honrosa do Júri Oficial e da ABD/SP, além do prêmio da crítica no Festival É Tudo Verdade 2019.

Posto no catálogo de filmes da Netflix no fim de 2019, vale a pena dar uma conferida!